В «Сириусе» участникам направления «Хореография» цикл мастер-классов провела старший преподаватель кафедры классического танца МГАХ Тамила Булгакова. У педагога было всего несколько дней, чтобы объяснить: в процессе обучения танцу «воспитание тела», конечно, стоит на первом месте. Причем и развивается оно стремительно: хореографический шаг стал больше, количество вращений, которые танцовщик может исполнить, увеличилось. Но чтобы искусство не оставалось крайне техничным и не стремилось в своем выражении к спорту, в образовательной программе артистов балета есть «актерское мастерство» – дисциплина, система преподавания которой всегда сводится к одному: обучению возможностям «мышления тела».
О том, как мысль и чувство могут стать импульсом к пластическому движению, а при помощи выразительных средств хореографии (танцевальной позы и танцевального жеста, амплитуды движения, ракурсов и пантомимы) можно раскрыть в балетном спектакле замысел режиссера, преподаватель рассказала в интервью.
– Тамила Владимировна, как Вы проводили уроки актерского мастерства для майских воспитанников?
– Обычно это зависит от того, с какими детьми я работаю. В группе есть ребята и помладше, и постарше, у всех разный уровень подготовки. Поэтому урок по актерскому мастерству – это всегда шаг в незнаемое. Решение, как строить занятие, я принимаю при знакомстве с ребятами. Причем это не всегда зависит от возраста. Чаще от микроклимата, сложившегося в коллективе юных танцовщиков, от их интересов. Палитра преподавания актерского мастерства очень разнообразная, методик много. Не важно, какой подход выберет педагог, главное, чтобы итог был один: раскрыта творческая индивидуальность воспитанника, которая поможет ему стать настоящим артистом балета.
– Тем не менее у каждого педагога своя методика преподавания. На чем ставите акцент Вы?
– Это действительно так, у каждого педагога своя система, основанная на признанных во всем мире канонах реалистичного театра, основоположником которого является Станиславский. Система, адаптированная к принципам балетной режиссуры, в которой знания и навыки объединяются в единый комплекс, подчиняясь главной творческой задаче – созданию сценического образа в музыкально-пластических работах. И в этом ключе педагог должен понимать, с кем он общается, должен уметь считывать реакцию: какой материал воспитанники лучше воспринимают, на что они лучше откликаются? Ребята, которые пришли в класс, хоть и маленькие, но уже выступают, а значит, являются артистами, и спрос с них как с артистов. И моя задача – за несколько встреч дать им профессиональные консультации о том, как подготовить себя к выступлению и сделать его выразительным.
– Какие упражнения помогают танцовщикам формировать замысел хореографического произведения – выражать действие, мысль и чувства через пластическую форму?
– Во-первых, стоит отметить: к каким бы упражнениям мы ни прибегали в процессе обучения, единого рецепта для всех исполнителей в работе над ролью или над образом не существует. Метод импровизации – это хороший способ поэкспериментировать и пофантазировать на тему заданных сюжетных обстоятельств. Часто именно импровизация становится катализатором сценического творчества. Поэтому мы обязательно определяем логику танца в сценическом пространстве, тренируем внимание, память и наблюдательность.
Абстрактно-образное мышление формируется до 14 лет и играет в профессиональном развитии артиста балета большую роль, потому что хореографическое искусство достаточно условно в своих выразительных средствах и направленно на восприятие зрителями именно через воображение.
– Чего Вы ждете от воспитанников по окончании курса?
– Если речь о воспитанниках младшего возраста, то мне важно, чтобы они испытывали не страх сцены, о котором каждый раз мне рассказывают перед занятиями, а уверенность и увлеченность. Чтобы юные артисты балета хотели выступать сильнее, ярче, громче, выразительней. При выходе на сцену они должны испытывать азарт. И если в процессе наших упражнений я вижу, что они это поняли, говорю: «Вы только что испытали то, что чувствуют артисты на своих самых ответственных выступлениях. И теперь старайтесь стать свободными настолько, чтобы эти эмоции сопровождали вас в каждом номере, который вы танцуете».
Свободу артист может обрести, обладая нужными знаниями и отрабатывая получаемые навыки. Поэтому задача каждого педагога – мотивировать воспитанников к постоянному самосовершенствованию. Особенно если речь об актерском мастерстве, на котором ученики формируют в себе чуткую систему восприятия, развивают фантазию, образное и логическое мышление. Все это раскрывает их творческую индивидуальность. Именно такие артисты и нужны балетной сцене. И сегодня мне совершенно очевидно, что для майских воспитанников это не пустые слова: наши мастер-классы точно прошли не зря.
